We kindly inform that your browser is no longer supported by Microsoft.

Please switch to a more secure browser such as Chrome, Firefox or Edge.

Symposium: Together in the Universe of Sound

In English På Svenska

In order to keep up momentum and give shape to action, we need theory and discourse.

In the symposium, we will present contributions by artists working collaboratively and across genres.

One of the shared topics in the lectures and discussions will address questions about what kind of connections are being made between sound, music and stage action. This topic will include conceptualising the stage within a larger framework than the theatre stage, and the themes of creating meaning and communication with audiences.

We are searching for no less than the essence of it all and how the outcome of these talks and lectures can create an impact and a shift in concepts of music theatre.

The topics of the symposium are new music theatre, nostalgia in the relation of dance and music in 2021, devised opera, electronic music and sound, norms, gender, sensuality, and essence. Our guest keynote speaker is composer and pianist Iñigo Giner Miranda, and there are artist talks by NAF and Libero Mureddu; artist dialogues with Essi Kausalainen and Annika Tudeeri (Oblivia), Rachel MacIntosh and Yiran Zhao (Oblivia) and Patrick Kosk and Liisa Pentti, and artistic interventions by Yiran Zhao. The moderator is Pia Lindy.

The day ends with a roundtable discussion where everyone present is invited to take part.

Keynote Speech by Iñigo Giner Miranda
“Materials and people interacting on and off stage in Musiktheater”

The talk will present a framework for analysing different interdisciplinary projects (mainly concentrated on Musiktheater sub-genres), both from the perspective of the result as well as through the actual creative process.

Iñigo Giner Miranda is at home in a number of places – not only geographically speaking, but also artistically: classically educated as a composer and pianist, he works regularly as concert designer, composer or performer/musician in concert halls and theatres all across Europe. He has, e.g., worked for directors such as Barbara Frey, Ruedi Häusermann, Matthias Rebstock, or Rafael Sánchez at some of Europe’s leading venues: Schauspielhaus Zürich, Teatro Real Madrid, Schauspielhaus Köln, or HAU Berlin among others.

As composer and concert stager he was selected for the #bebeethoven programme of the Kulturstiftung des Bundes (Germany’s Federal Cultural Foundation), where he has collaborated for three years with the Zürich Tonhalle orchestra on the development of staged concerts for the orchestra. Since 2014, he also regularly works with Podium Esslingen, staging concerts and creating new formats for them, some of which have toured to places such as Lucerne Festival, Pierre-Boulez Saal Berlin, or Radialsystem V. He also regularly assists or creates stage concerts together with ensembles or soloists – for example, at the Munich Biennale 2012, L’auditori Barcelona, or Gare du Nord in Basel.

He also regularly teaches at the UdK Berlin with a special emphasis on new concert formats and stage work for musicians -subject matters he has also discussed in seminars and courses at, among others, Budapest Music Center, Musikene Music College of the Basque Country, Humboldt University Berlin, and EVA Conference London (Electronic and the visual arts).

Artist talks and dialogues

Essi Kausalainen’s works operate through performance, textile, text, audio and video.
Collaborating with plants and fungi, artists, musicians, plant biologists, and children, Kausalainen’s work approaches the body as an open ended process made in and shaped by the complex relations with other beings, situations, and environments. Her work has been exhibited and performed in venues such as Somerset House in London, Uppsala Arts museum, Moderna Museet Malmö, Frankfurter Kunstverein, Nikolaj Kunsthal Copenhagen, and SAVVY Contemporary Berlin.

Patrick Kosk is a composer of electronic and concrete music. His work focuses on the development of the systematics of sound morphology. Kosk has worked a lot on theatre and dance productions, e.g. with the dance company Liisa Pentti +Co.

Pia Lindy, dancer and choreographer
Pia Lindy graduated from Amsterdam’s School for New Dance Development in 1995 and since then has worked on several solo/group works and collaborative projects with different artists and other people both in Finland and abroad. In her work Pia explores expectations and values embodied in art and society. What does dance and art offer us – or what should it? Lindy’s working, teaching, and performing lean on improvisation, experientiality and process-oriented approaches, and the work happens in different environments and contexts. In recent projects, the focus has been on the moving dialogues and the mixing of skills/knowledge between people with various backgrounds and of different ages.
Rachel McIntosh is an American opera singer and noise artist based in Helsinki, Finland. She has worked extensively at the intersection of experimental and traditional stage works.

Libero Mureddu, pianist, improviser, composer and music technologist based in Helsinki, Finland.
Born in Milan in 1975 and based in Helsinki since 2003, he has studied composition at the Conservatory “G. Verdi” of Milan and music technology at the Centre for Music and Technology, Sibelius Academy, University of the Arts Helsinki. He is currently doing his artistic doctorate at the MuTri Doctoral School at the Sibelius Academy. In his research, Libero Mureddu investigates the role of embodied knowledge in a free improvisation performance, and how this knowledge can be observed, analysed, and used to develop free improvisation languages.
His current artistic practice intersects between free improvisation languages, composition, algorithms, and artificial intelligence, to create innovative, unexpected and challenging performative frameworks.
Since 2009 Libero Mureddu is the general manager of the NYKY Ensemble.

Liisa Pentti is a choreographer and has acted as the artistic director of the Liisa Pentti +Co dance company since 2000. She has worked in diverse roles in the field of dance, including a long teaching career. Her work is currently is concerned with psycho-energetic dimensions and the relationships of bodies and other entities in visible and non-visible spaces, and in dreams. The work done by Liisa Pentti +Co includes also seminars, events and workshops related to the content of the dance art and the role of the art in the society, like the collaborative Nordic-Russian initiative After Contemporary in 2013-17. Liisa Pentti is one of the co-founders of Zodiak – Center for the New Dance and the Sidestep Festival in Helsinki.

Annika Tudeer is a performer, an artistic director and a founding member of Oblivia. Annika Tudeer graduated from Helsinki University with a MA in literature after working as a dancer and choreographer in the 1990’s in a.o. Zodiak. She worked as a dance critic writing on new trends in dance and performing arts nationally and internationally until 2004. She is also a founding member and initiator of the platform and studio spaces Performance Center (2008) and of Mad House Helsinki (2013), platform and venue for performance and live art in Helsinki. In 2014 she was awarded a 5-year artist grant from the Arts Council Finland. In 2016 Annika was awarded two awards: the first Stella Parland award and an award from the Stina Krook foundation for her groundbreaking work in performance in Finland.

Artistic Interventions by Yiran Zhao

YÁO YÈ #3 (2019)
installative performance (sound meditation for the audience)

YÁO YÈ is a series of installations and / or performances that work with hanging objects and / or rocking noises. 瑶 (yáo) 曳 (yè) is a very poetic word in Chinese that evokes the gentle rocking motion of objects in a soft breeze.

YÁO YÈ #3 is an installative performance & sound installation. It contains a collection of frequencies related to each other, most from the same spectrum and stable, a few constantly changing. This builds an extensible and wavering sound texture with a sublevel of difference-tones oscillating beneath it.

As installative performance, it will be a sound meditation of about 15 minutes for the audience. During the performance, many small speakers are placed between the audience in changing positions. The performer makes disparate arm movements while suspending the speaker across the space and playing them here and there according to a planned structure.

As a sound installation, it creates a very rich soundscape within the space. From different standing points and orientations the visitor can discover various combinations and intensities of the soundscape.

SHH I (2015)
solo for a head

SHH I is a short solo piece of about 3 and half minutes, for no instrument but a head. In this composition, all movements’ details are written in the score explicitly; not like an improvisation.

The piece may be played simultaneously by multiple soloists, though they don’t have to synchronise with each other: every musician plays each time just for one person/audience member. This single audience member wears a pair of ear plugs during the performance, to ensure sure that they can’t hear anything from the concert hall or the atmosphere, but only the noise from their own head through their skull and the earplugs. The ‘instruments’ are the hair, ears and the skin on the face (and facial hair) of the audience member, the musician plays wearing a pair of disposable gloves.

The point is, the musician can’t hear their performance (nor can any other audience in the vicinity), but they feel it through their hands/fingers. For the single audience member who is played, it is an absolutely private performance just for them, and they can not only hear it, but especially also feel it.

This live performance is the first part of the piece. The second part is the sound installation SHH II – for two speakers surrounding it: a recording which is the same sound material as the live performance. When people walk around, they can hear the recording to make out what’s going on with the live performance, and it also means that they have the chance to hear the noise from somebody’s ear, which is totally anti-private.

Yiran Zhao is a composer, performer, and sound artist based in Berlin.

Her works focus on various modes of expression incorporating both musical and performative elements, lighting, visual arts, and other media. With great interest in the physicality of performance, she works with the human body and objects as compositional material.

She studied composition in CCOM Beijing, HMDK Stuttgart, and the Musik-Akademie Basel, in addition to scenic composition at ABPU Linz, where she also taught. She works as a freelance composer with numerous groups, including Deutsches Symphonie-Orchester, Ensemble Musikfabrik, Ensemble Recherche, Neue Vocalsolisten Stuttgart, Ensemble Phoenix Basel, Ensemble Garage, etc. Her new portrait album will be released in 2022 by WERGO.

She is a member of Oblivia international performance company. As composer-performers, Yiran Zhao and Kirstine Lindemann are the founders of performance group Other Eye.

För att bevara framåtandan och ge uttryck för våra handlingar krävs dialog och teoretiska sammanhang. I symposiet Together in the Universe of Sound presenterar vi inlägg av olika konstnärer som arbetar kollaborativt och tvärkonstnärligt.

Ett övergripande tema för föredragen och diskussionerna är att belysa hurdana relationer som kan skapas mellan ljud, musik och scenisk handling. Detta innebär också att utforska det sceniska rummet utanför den traditionella teatersalongen, samt den dialogiska relationen mellan konstnär och publik.

Vi eftersträvar inget mindre än själva kärnan av denna skapandets form, att genom samtalen och föredragen hitta konkreta mönster för hur framtidens musikteater kunde se ut.

Till symposiets teman hör musikteaterns nya former, nostalgiska föreställningar om dans och musik år 2021, opera genom devising, elektronisk musik och ljudverk, normer, kön, sensualitet och själ. Gästande keynote talare är kompositören och pianisten Iñigo Giner Miranda, och symposiet presenterar även konstnärssamtal med NAF och Libero Mureddu, samt interventioner av Yiran Zhao. Som moderator fungerar Pia Lindy.

Dagen avslutas med rundabordssamtal där alla närvarande välkomnas att delta i diskussionen.

Keynote talare Iñigo Giner Miranda
“Materials and people interacting on and off stage in Musiktheater”

Diskussionen presenterar ett ramverk för analys av olika tvärkonstnärliga projekt (med huvudsaklig fokus på olika undergrupper av musikteater), utgående från både resultatperspektiv och den kreativa processen.

Iñigo Giner Miranda känner sig hemma på många olika håll, inte bara geografiskt utan även konstnärligt. Som klassiskt utbildad kompositör och konsertpianist har han arbetat regelbundet som både konsertplanerare, kompositör, artist och musiker i konsertsalar och teatrar runt hela Europa. Han har bl.a. jobbat med storheter som Barbara Frey, Ruedi Häusermann, Matthias Rebstock och Rafael Sánchez på flera av Europas främsta scener: Schauspielhaus Zürich, Teatro Real Madrid, Schauspielhaus Köln och HAU Berlin, m.fl.

Som kompositör och konsertplanerare blev han invald i #bebeethoven programmet vid Kulturstiftung des Bundes (Tysklands federala kultursamfund), där han i tre år har samarbetat med Tonhalle orkestern i Zürich för att utveckla de offentliga konserterna. Sedan 2014 har hans också arbetat med att planera konserter och utveckla nya konsertformat för Podium Esslingen, av vilka vissa har turnerat till bl.a. Lucerne Festivalen i Schweiz, och Pierre-Boulez Saal och Radialsystem V i Berlin. Han har också regelbundet planerat konserter för både musikensembler och soloartister vid bl.a. Biennalen i München 2012, L’auditori Barcelona eller Gare du Nord i Basel.

Han är även en återkommande lärare vid UdK Berlin, med särskild fokus på nya konsertformat och scenisk presentation för musiker, ämnen han också föredragit om vid t.ex. musikcentret i Budapest, Musikene musikuniversitetet i Baskien, Humboldt universitetet i Berlin och EVA konferensen i London.


Essi Kausalainen arbetar med performance, textiler, texter, ljud och video. Genom samarbete med växter och svampar, konstnärer, musiker, biologer och barn närmar sig Kausalainen kroppen som en ofullbordad process i ständig och komplex samverkan med sin omgivning. Hennes verk har presenterats och framförts på bl.a. Somerset House i London, Uppsala Konstmuseum, Moderna Museet i Malmö, Frankfurter Kunstverein, Nikolaj Kunsthal i Köpenhamn och SAVVY Contemporary Berlin.

Pia Lindy, dansare och koreograf
Pia Lindy utexaminerades från SNDO School for New Dance Development i Amsterdam år 1995 och har sedan dess arbetat i flera olika soloverk och kollaborativa projekt med konstnärer både i Finland och internationellt. I sitt arbete utforskar hon värderingar och förväntningar som präglar konsten och samhället. Vad ger oss dansen och konsten, eller vad borde de ge oss? Lindys hantverk, pedagogik och konstnärskap bygger på improvisation, experimenterande och processartad undersökning, och hennes verk utformas i olika miljöer och sammanhang. På sistone har hon koncentrerat sig på att utforska blandningen av dialog och kunskap genom att sammanföra människor av olika bakgrund och åldrar.

Rachel McIntosh är en amerikansk operasångerska och noise-konstnär bosatt i Helsingfors. Hon har haft en diger karriär i korsningen mellan traditionell och experimentell konst.

Libero Mureddu, pianist, improvisatör, kompositör och musikteknolog bosatt i Helsingfors.
Mureddu, född i Milan 1975 och bosatt i Helsingfors sedan 2003, har studerat komposition på konservatoriet ”G.Verdi” i Milan och musikteknologi vid Sibelius-Akademin på Konstuniversitetet i Helsingfors. Han arbetar för tillfället med sin konstnärliga doktorsgrad vid Doktorandskolan MuTri vid Sibelius-Akademin. I sin forskning undersöker Mureddu hur en förkroppsligad kunskap framträder i ett fritt improviserat framförande, och hur denna kunskap kan studeras, analyseras och användas för att utveckla ett självständigt, improvisatoriskt uttrycksmedel.
Hans konstnärliga arbete rör sig mellan improvisatoriska uttrycksformer, komposition, algoritmer och artificiell intelligens, och strävar till att skapa innovativa, överraskande och utmanande performativa ramverk.
Sedan år 2009 är Libero Mureddu ledare för NYKY Ensemble vid Sibelius-Akademin.

Patrick Kosk är en kompositör känd för sina verk både inom elektronisk och konkret musik. I kärnan för hans produktion finns en utveckling av ljudets morfologiska systematik. Kosk har också arbetat aktivt inom teater- och dansfältet, bl.a. med Liisa Pentti +Co.

Liisa Pentti är koreograf och konstnärlig ledare för Liisa Pentti +Co sedan år 2000. Hon har arbetat inom dansen i många olika roller och befattningar och har också en lång karriär som pedagog. För tillfället granskar hon sig i sitt arbete olika psykoenergetiska dimensioner och kroppens och andra manifestationers relation i synliga och osynliga rum samt i drömmen. Liisa Pentti +Co ordnar också seminarier, workshops och andra evenemang som kopplar till danskonsten och konstens roll i samhället, såsom Scandinavian-Russian After Contemporary-projektet 2013-2017. Pentti hör till grundarna för Zodiak – Centret för ny dans och Sivuaskel-festivalen.


YÁO YÈ #3 (2019)
en installativ performance (ljudmeditation med publik)

YÁO YÈ är en serie installationer och/eller performanser som bygger på hängande föremål och/eller gungande ljud. Det kinesiska ordet (yáo) (yè) har en mycket poetisk klang som beskriver gungandet av föremål i en lätt vind.

YÁO YÈ #3 är en installativ performance och ljudinstallation. Den består av en mängd olika men sammanhängande frekvenser, de flesta på ett gemensamt spektrum men vissa ständigt föränderliga. Detta skapar en svajande och expanderande ljudmatta med underliggande differenstoner som oscillerar i bakgrunden.

Som installativ performance handlar den om en 15 minuter lång ljudmeditation för publiken. Små högtalare placeras ut på olika ställen bland publiken, och konstnären låter dessa spela via fysiska rörelser enligt ett strukturerat mönster.

Som ljudinstallation skapas ett fylligt ljudlandskap, där besökaren från olika positioner och riktningar i utrymmet kan upptäcka nya kombinationer och intensiteter i ljudvärlden.

SHH I (2015)
solosolo för ett huvud

SHH I är ett kort stycke på omkring tre och en halv minut för endast ett huvud. I detta verk är varje rörelse detaljerat antecknad i kompositionen, det finns inte rum för improvisation. Verket kan framföras simultant av flera musiker, men behöver inte synkroniseras; varje framförande görs individuellt för en deltagare/publikmedlem åt gången. Denna deltagare bär öronproppar för att utestänga alla andra ljud från konsertsalen, hen hör bara ljudet i sitt eget huvud. ”Instrumenten” är hens eget hår, öron och huden på ansiktet (och kanske ansiktshåren), på vilka musikern spelar med skyddshandskar.

Poängen är att varken musikern eller någon annan publikmedlem kan höra musiken, musikern kan endast känna den genom händer och fingrar. Den enskilda publikmedlemmen som agerar instrument får uppleva en alldeles personlig konsert, som bara hen kan höra men framför allt känna.

Denna live konsert är styckets första del. Den andra delen består av ljudinstallationen SHH II, en inspelning som bygger på samma material som live konserten. Publiken får röra sig fritt i rummet och höra hur den individuella konserten låter och samtidigt urskilja ljudet via någon annans öra, en totalt icke-privat upplevelse.

Yiran Zhao är kompositör, scen- och ljudkonstnär baserad i Berlin.

I hennes arbete sammanförs olika former av konstnärliga uttryck, en blandning av både musikaliska och performativa element, ljusdesign, visuell konst och annan media. Hon intresserar sig för framförandets fysikalitet, och hennes kompositioner använder människokroppen och andra föremål som sitt material.

Hon har studerat komponering vid CCOM Beijing, HMDK Stuttgart och Musik-Akademie Basel, samt scenisk komposition vid ABPU Linz där hon även fungerat som pedagog. Hon arbetar som frilans kompositör i olika sammanställningar, bl.a. vid Deutsches Symphonie-Orchester, Ensemble Musikfabrik, Ensemble Recherche, Neue Vocalsolisten Stuttgart, Ensemble Phoenix Basel, Ensemble Garage etc. Hennes nya porträttalbum publiceras år 2022 av WERGO.

Hon är också medlem av den internationella performancegruppen OBLIVIA, och tillsammans med Kirstine Lindemann är hon grundare för performancegruppen OTHER EYE.